Qu'est-ce que l'art brut ?

 Les liens entre l’art et la folie furent tout d’abord explorés par les romantiques, au XIXème siècle. Ces derniers élevaient le dément au rang de "héros en communion secrète avec les forces du destin" ; cependant il a fallu attendre le début du XXème siècle pour que des artistes commencent à apprécier la production plastique des malades mentaux.

Ces artistes d’avant-garde, tels Pablo Picasso et Paul Klee, appartenaient à une nouvelle génération qui s’intéressait à la distorsion formelle et à l’expressionnisme .  

Dubuffet, dénonçant le caractère sélectif et répressif de la culture officielle, a inventé en 1945 le concept d'art brut qui désigne les œuvres réalisées par des individus sans culture artistique, hors des normes et conventions artistiques. Après avoir rassemblé une collection de dessins d’enfants, il a tourné son attention vers les œuvres des malades mentaux et d’autres artistes autodidactes.  Il collectionnait aussi l’art de médiums comme Lesage et Pigeon. Malgré des différences stylistiques souvent importantes entre ces œuvres, le groupe était uni par la foi de Dubuffet en la nature brute qui surgirait comme une injonction dictée par leur "moi intérieur".  L’art brut est un art spontané et inventif, hors de tout effet d’harmonie et de beauté.

"Nous entendons par-là [art brut] des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistique, dans lesquels donc le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, a peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythmes, façons d’écriture, etc.) de leur propre fond et non des poncifs de l’art classique ou de l’art à la mode. Nous y assistons à l’opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l’entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions..."

Jean Dubuffet (L’Art brut préféré aux arts culturels, octobre 1949)

Certains artistes appartenant à la catégorie "art brut" sont des malades mentaux.

Dubuffet, comme Nietzsche, estime que les artistes sont par définition des êtres asociaux dont les pouvoirs d’innovation proviennent d’un refus de se contenter de l’ordre des choses. Pour lui, la folie se situe à l’apogée de l’individualisme, et ses jaillissements créatifs sont particulièrement aboutis et homogènes.

L’automatisme, qui est un élément fondateur de l’expression graphique des malades mentaux, tient une part importante dans l’art brut. Dans le langage et l’image des peintures brutes, il existe une connaissance puisée dans les profondeurs du psychisme et dans la folie.

À tout seigneur tout honneur, voici d'abord un petit mémo sur Jean Dubuffet.

Il sera suivi de portraits d'autres grands noms de l'art brut, par ordre alphabétique pour ne pas faire de jaloux...

Jean Dubuffet

Jean Philippe Arthur Dubuffet, dit Jean Dubuffet, peintre français, naît le 31 juillet 1901 au Havre. Il décède le 12 mai 1985 à Paris. On le considère comme la figure emblématique de l’art brut.

Fils d’un négociant en vin, il n'éprouve pas de réel intérêt pour le commerce et quitte Le Havre pour Paris à l'âge de 17 ans. Il suit brièvement les cours de l’Académie Julian, ce qui renforce son aversion pour les institutions artistiques.

Il s'ensuit une période morose et inféconde, qui se résoudra, vers 1943, par un véritable sevrage culturel et par un retour à l’esprit d’enfance. Dès 1945, Jean Dubuffet se met en quête d’œuvres correspondant vraiment à l’idée qu’il se fait d’une création non culturelle, œuvres de marginaux, d’originaux, de délirants et de spirites, qui allaient constituer la collection de l’Art Brut. En 1946, dans "Prospectus aux amateurs de tout genre", Jean Dubuffet émet l’hypothèse d’unart praticable spontanément par n’importe qui, un art qui ne nécessiterait ni don ni instruction, un art qui procéderait de la jubilation et non de l’initiation.

Dès lors, sa vie se confond avec son œuvre. Celle-ci fonctionne selon le régime de la révolution permanente, elle est scandée par de brusques renversements. On passe subitement des "Matériologies abstraites" à des travaux vivement figuratifs, mais qui, par un nouveau paradoxe, mettent en cause plus radicalement encore les principes de l’illusion picturale. Ainsi, à la source de chaque série, on repère l’invention d’un système d’engendrement propice à des péripéties formelles dont l’auteur ne pouvait que s’enchanter : dans les premiers travaux dont il assume la paternité, notamment les "Macadam" (1945), les "Paysages grotesques" (1949), les "Tables paysagées" (1951) et les "Pâtes battues" (1953), l’activation des hautes pâtes, déterminant fissures, sillons, crevasses aux graphismes inextricables ; les assemblages d’éléments hétérogènes engendrant monstres et merveilles ; la chasse aux empreintes et estampages de tout acabit suscitant des univers complexes à l’échelle d’une feuille lithographiée ; les délinéaments de "L’Hourloupe" engendrant un nouveau chiffrage de la réalité ; et la hâte inspirée des "Mires" et des "Non-lieux", court-circuitant tous les poncifs de la vision commune.

Jean Dubuffet n’a jamais aimé évoluer que dans des situations de complexité qui submergent ses pouvoirs de contrôle. Se sentir dépassé, débordé, excédé, cela l’exaltait. Il avait alors l’impression d’avoir affaire à des puissances magiques outrepassant tout ce qu’il pouvait concevoir.

Richard Antilhomme

Il travaille d'abord comme domestique à Port-au-Prince, puis comme pâtissier, en enfin comme maçon et peintre en bâtiment.

Entre 58 et 60, il rencontre Tiga* et s'initie au modelage en argile. En 68, il passe son temps à dessiner, et devient l'un des membres fondateurs du mouvement "Saint Soleil" en 72. Antilhomme poursuit discrètement sa vie d'artiste.

Très estimé et reconnu parmi les collectionneurs avertis et quelques galeries, il a réussi à préserver la force originelle de son expression artistique.

A la fin de sa vie, il peind sur des fonds classiques, mais il expérimente de nouveaux supports pour ses peintures avec des planches de bois brutes de sciage. Son succès à maîtriser ce nouveau média le confirme, peut-être, comme le plus «ethnique» parmi les maîtres de Saint-Soleil.

*Jean-Claude Garoute, dit "Tiga" est un artiste haïtien (peintre, sculpteur, céramiste et musicien). Il a créé en 1970, avec Maud Robart, une initiative visant à renouveler la peinture haïtienne, en lui faisant rencontrer le vaudou. L’expérience donne naissance, en 1973, au mouvement Saint-Soleil.

André Bauchant

Anselme Boix-Vives

Ilija Bašičević, dit Bosilj

Tim Brown

Il a peint tout au long de sa vie, de manière irrégulière, dans un style rappelant l'Art Brut.

Dans la fin des années 1950, il commence à peindre ses souvenirs ; n'ayant pas de photos de jeunesse, il a voulu partager ses souvenirs. Il peint les membres de sa famille et ses amis.

La plupart de ses œuvres sont signées TB. À l'occasion, il signe de son nom complet.

Il a commencé par utiliser toutes sortes de vieux déchets : morceaux de planches à repasser, bouts de bois, vieux bols en bois et boîtes. Ses peintures les plus récentes sont faites sur ​​des morceaux de contreplaqué. Il n'utilise que peu de couleurs, qu'il mélange pour obtenir différentes nuances.

Il est devenu très populaire en Amérique, et ses peintures sont collectionnées dans le monde entier. Son travail a été exposé dans plusieurs galeries en Asie, en Europe et aux États-Unis.

Tim Brown peint encore, mais de façon épisodique. 

Carlo

Facteur Cheval

Après l’obtention de son certificat d’études primaires, Ferdinand Cheval devient, à l’âge de 13 ans, apprenti boulanger. En 1867, il est officiellement nommé "facteur aux postes" puis affecté deux ans plus tard à Hauterives dans la Drôme où il a en charge une tournée pédestre journalière de 33 km.En avril 1879, il relate que, butant sur une pierre, son œil est attiré par la forme curieuse de celle-ci, il la ramasse et la glisse dans son sac. Le lendemain, il découvre une autre pierre tout aussi curieuse et la garde. Il dira : "Puisque la nature veut faire la sculpture, je ferai la maçonnerie et l’architecture". Ce ramassage et le stockage de ces pierres ne cesseront plus.

Le Facteur Cheval passe de longues heures à la mise en œuvre de son rêve, travaillant même la nuit à la lueur d’une lampe à pétrole. Il assemble les pierres, mais aussi des coquillages, à l’aide de mortier, sculpte, grave ce palais "d’un seul homme" dans lequel il inscrit les merveilles et les grands monuments du monde, mais aussi des dictons et des devises trouvant inspiration aussi bien dans la Bible que dans l’architecture hindoue.

En 1904, il décide de l’appeler le "Palais Idéal". Après 33 ans de labeur, Cheval s’arrête, considérant son grand œuvre terminé. Il aurait souhaité être inhumé dans son Palais, mais n’ayant pas obtenu l’autorisation, il s'est remet au travail, transportant des pierres jusqu’au cimetière d’Hauterives pour former le "Tombeau du Silence et du Repos sans fin", achevé en 1922, et dans lequel il repose. Le "Palais Idéal" a été classé monument historique en 1969 par Malraux, et le tombeau inscrit sur l’inventaire supplémentaire des monuments historiques en 1975.

Fleury Joseph Crépin

Durant son enfance et son adolescence, il souffre de troubles oculaires. Il est opéré deux fois, mais conservera toute sa vie une très mauvaise vue.

Après son certificat d’études, il apprend le métier de plombier-zingueur en même temps que la musique, pour laquelle il semble très doué. Dans les années 1900, il compose pour clarinette des polkas, qu'il va jouer le soir dans le café-bal de son père. Il dirige aussi une fanfare.

En 1901, il se marie et s’établit comme plombier-zingueur, tandis que son épouse tient une quincaillerie.

Grâce à sa mauvaise vue, il n'est pas mobilisé en 1914. Madame Crépin met au monde deux filles, dont l’aînée deviendra folle en 1927. À la suite de cette épreuve, Fleury Joseph Crépin abandonne la direction d’orchestre.

En 1931, il commence à s’intéresser à la radiesthésie ; bien que continuant son métier, il devient officiellement sourcier et radiesthésiste. La même année – il a cinquante-six ans – il entre en relation avec un cercle spiritualiste à Douai, où il rencontre Victor Simon qui lui présente le "pas-encore-célèbre" peintre-medium Augustin Lesage. Il se découvre des dons de guérisseur. Il soigne par imposition des mains et même à distance, par télépathie.

Un soir, alors qu’il copie de la musique (il a soixante-trois ans), sa main se met à tracer automatiquement un dessin et une voix mystérieuse résonne à ses oreilles : “Peins trois cents tableaux et la guerre s’arrêtera”.

Ne connaissant rien à la peinture et bien qu’ayant une très mauvaise vue, il va d’abord tracer des croquis sur un cahier d’écolier, pour ensuite les agrandir en se servant d’une règle et d’un compas et ainsi les transposer sur toile. Il dessine et peint dans un état mediumnique. Sur sa droite il voit des ombres : ce sont ses anges-gardiens qui viennent le soutenir dans son travail. Ils lui dictent les couleurs qu’il doit utiliser. Pendant toute la réalisation de l’œuvre, il entend de la musique.

Sa vue ne l’empêche pas de peindre des sujets d’une très grande précision. Il ne révèlera jamais le procédé qui lui permet de consteller ses œuvres de gouttelettes de peinture parfaitement qualibrées, ressemblant à des perles. Il dira à leur propos : “Sur certaines toiles, j’ai fait jusqu’à  1 500 points à l’heure”. “Je ne comprends pas ce qu’on me fait faire”, ajoutera-t-il.

Ses tableaux représentent le plus souvent des architectures symboliques, des temples. Ce sont des sortes de mandalas. Il arrive qu’il y ait de curieux personnages ou des animaux.
La symétrie semble jouer un rôle important. Tous les tableaux sont soigneusement datés et numérotés. Il est intéressant de noter la ressemblance entre les œuvres d’Augustin Lesage et les siennes – la méthode de création étant la même.

Le trois-centième tableau sera achevé le 7 mai 1945, veille  de l’armistice, signée le 8 mai 1945.

En novembre 1947, Fleury-Joseph Crépin entend à nouveau des voix : “Tu dois réaliser à nouveau quarante-cinq merveilleux tableaux pour obtenir la paix dans le monde”. Cette même voix le prévenait également qu’il mourrait après avoir réalisé son trois-cent-quarante-cinquième tableau… En fait, il est mort bien avant, d’une congestion cérébrale, le 8 novembre 1948, sans que le monde ait  retrouvé la paix…

On a enfermé dans son cercueil toutes les esquisses qui lui avaient servi de base pour ses peintures. 

http://horizonovipare.blogspot.com/2011/06/joseph-crepin.html

Djihem

Après la seconde, il étudie durant deux ans l'électricité puis rentre dans l'administration en qualité de technicien. Travaillant un temps pour le compte des affaires étrangères, il va passer une dizaine d'années en Afrique.  Au retour de son dernier séjour, il quitte son emploi et crée une entreprise qui fabrique des teeshirts régionaux dans le sud. Cette activité, qui l'occupe  le matin, lui  permet de consacrer le reste de son temps à la création.

Peintre autodidacte, il s'inspire de sa terre d'origine et des souvenirs rapportés de ses séjours à l'étranger, notamment de la Corne de l'Afrique et du Maghreb.

Djihem aime aussi exprimer avec humour, ou très simplement, des symboles ou des scènes de la vie de tous les jours avec des yeux immatures et enfantins.   

"Après une période singulière relativement variée et colorée, je propose, depuis le début de l'année 2012, des œuvres en noir et blanc, plus graphiques, qui marquent un tournant dans mon parcours artistique. En effet, j'ai décidé d'apporter une certaine maturité à mon travail dans le souci de mettre en avant mes influences artistiques et mon intérêt pour l'art brut, l'art singulier, la figuration libre et l'art tribal.

Pour ces nouvelles œuvres, j’ai créé un vocabulaire que j’utilise pour raconter des histoires. Certains signes reviennent : le triple profil, l’amoureux avec sa fleur, la tour Eiffel , les animaux… mais je les marie différemment en y ajoutant parfois de la couleur ou en utilisant de nouvelles techniques comme le collage.

Comme je n'aime pas faire longtemps la même chose, j’espère continuer à me et vous surprendre".

Johann Fischer

Johann est apprenti maître-boulanger avant d’être mobilisé durant la seconde guerre mondiale et constitué prisonnier par les Américains. A sa libération, il prend la suite de son père à la tête du domaine agricole familial. Néanmoins, souffrant dès 1957 de troubles hallucinatoires, il est interné en clinique psychiatrique.

Son internement marque pour lui à la fois sa mort au monde extérieur et sa renaissance à l’hôpital. Il prétend que sa vie précédente n’a pas été vécue par lui mais par celui qu’il nomme son "prédécesseur" : "Je fus fait-créé-fait le 16 juin 1967, dans le cimetière de la clinique de Kierling-Gugging, entre 18 h 30 et 22 h, par le père de mon prédécesseur Dieu le Père Très-Haut et Très-Puissant. Et de plus avec une petite graine, puisée au puits de semence propre, selon un désir supplémentaire."

En 1981, il intègre la Maison des Artistes* et commence son impressionnante production.

Fischer n’utilise que le crayon et les crayons de couleur. Sa palette, tout d’abord composée de tons de gris et de bruns, s’élargit considérablement à l’aube des années 90. Les sujets plutôt simples des débuts se complexifient progressivement pour aboutir à des histoires illustrées dans lesquelles le réel et l’imaginaire se côtoient constamment.

Courtois, méthodique, Johann dessine tous les matins et fait suivre sa signature de sa qualité : Künstler ! (Artiste !). 

* Créée en 1981, en marge de la Clinique psychiatrique situé à Gugging près de Vienne, la Maison des Artistes peut être vue comme une brillante réussite d’atelier d’art-thérapie. Ses artistes-patients ont été reconnus et exposés dans le monde entier, particulièrement dans les lieux et collections consacrés à l’Art brut et Outsider.

Pietro Ghizzardi

Madge Gill

Née enfant illégitime à Londres, elle est cachée par sa tante et sa mère jusqu'à ses 9 ans, où elle est alors placée en orphelinat. Après un séjour au Canada où elle travaille dans une ferme, elle revient à Londres à 19 ans et y travaille comme infirmière. Habitant avec sa tante, cette dernière l'initie à l'Astrologie et au Spiritisme. En 1907, elle épouse son cousin avec qui elle aura trois fils et une petite fille mort-née, ce qui manque de l'emporter elle aussi : elle reste alitée plusieurs mois et perd l'usage de son œil gauche.

En retrouvant la santé, elle se plonge dans une œuvre médiumnique remarquable, qu'elle va poursuivre pendant 40 ans. Elle travaille la nuit, très faiblement éclairée, rapidement, de manière quasiment hallucinée, au crayon noir ou de couleur. Elle produit aussi des broderies et des écrits. Sa manière consiste en un enchevêtrement vertigineux d'ornementations instinctives et proliférantes, parsemé de visages féminins (que l'on a pu interpréter comme des autoportraits ou des représentations de sa fille disparue).

En 1958, à la suite de la mort de son premier fils, elle se met à boire et arrête totalement le dessin.

Ce n'est qu'après sa mort que l'on découvre l'ampleur de son travail : des centaines de dessins, dont certains atteignant plusieurs mètres de long. L'ampleur de son œuvre la place parmi les plus emblématiques créateurs d'Art brut et médiumnique.